El Festival Semibreve, organizado por AUAUFEIOMAU con el apoyo del Ayuntamiento de Braga, se afirmó como un evento inevitable en el panorama de la música electrónica a nivel nacional e internacional, proporcionando actuaciones de algunos de los artistas más relevantes de la actualidad en el dominio de la música electrónica y contribuyendo para la divulgación de la producción científica en el campo de las artes digitales producida por instituciones de referencia, a saber: Universidad del Miño, Universidad de Porto, Universidad Católica, Fundación Bienal de Cerveira y Digitópia/Casa de la Música.
La fusión inesperada entre la formalidad y la grandeza del Theatro Circo, el vanguardismo artístico y la alta afluencia del público llevó la publicación inglesa "Dazed and Confused" a incluir el Festival Semibreve en la lista de los 26 festivales más interesantes del mundo.
Su séptima edición tendrá lugar en Braga, del 27 al 29 de octubre de 2017.
Conciertos
Beatriz Ferreyra
Beatriz Ferreyra es una compositora electroacústica argentina.
Trabajó en la ORTF (Televisión Nacional Francesa), como miembro del Groupe de Recherches Musicales (GRM), bajo la dirección de Pierre Schaeffer (1963-70), habiendo hecho contribuciones para su libro Traité des Objets Musicaux (1966), y participó en la realización del Solfège de l'Objet Sonore, también de Pierre Schaeffer (1967). Es una compositora libre desde 1970. En 1975 se convirtió en miembro del Collège des Compositors del GMEB (Groupe de Musique Électroacoustique de Bourges). Desde 1967 su trabajo es comisionado por conciertos y festivales, hace música para el cine, la televisión, el teatro y video, escribe artículos y presenta seminarios y conferencias. Desde 1975 ha recibido varios premios y reconocimientos. En 2014 fue elegida como Miembro Honorario del CIME/ICEM (The International Confederation of Electroacoustic Music).
En el Festival Semibreve va a manipular un sistema de difusión de ocho canales.
Blessed Initiative>
Blessed Initiative es un proyecto de Yair Elazar Glotman, que sugiere un estado disonante y coexistente de extremos altos y bajos. El álbum busca articular un estado mental de simultaneidad, donde el equilibrio es fugaz, frágil y su escasez es abrazada. Estados opuestos coinciden, contrastan y reflejan, crean momentos de incertidumbre e de inseguridad. Lo absurdo y, por veces, incluso el éxtasis son resultados posibles, en un intento de canalizar la ansiedad para una fuerza creativa y no debilitante. En un entorno donde las personas son sumas de las imágenes que proyectan, los sonidos también no son prueba de invención, pero sí de combinación, curaduría y edición en constante cambio. El personaje final es una suma del elegido y del eliminado, así como de todo lo que puede ser proyectado desde el exterior, creando un sujeto confuso y en conflicto. Los sonidos recogidos son intentos de componer sobre terrenos inciertos, y reflejar la ansiedad liberada por el encuentro e interacción de todas estas fuentes. Como proyecto singular, Blessed Initiative se detiene para comentar las condiciones que forman la composición Glotman antes y después de esto, y lo reconoce como un proceso no lineal y continuo.
El enfoque en el proceso y en la incertidumbre es visible en la formulación del disco, en su rearticulación y ciclos de repetición y desviación. Las piezas fueron compuestas por sonidos generados en el sistema KYMA, grabaciones personales foley, así como técnicas de manipulación de la cinta. Sonidos menores en escalas mayores y ajustes micro tonales sugieren una esfera armónica ambigua. Estos fueron integrados en estructuras rítmicas idiosincrásicas, a veces integrando espacios reales y cuerpos resonantes como el reverb y cámaras de eco aumentado. Sonidos orgánicos concretos, casi reconocibles contrastan con espacios abstractos y son asociados a experiencias táctiles. Estas texturas y estructuras son una paleta que se forma y deforma a medida que se mueve a lo largo del álbum.
Yair Elazar Glotman es un músico y artista sonoro con formación clásica con sede en Berlín, cuyos trabajos anteriores fueron editados por Subtext, incluyen el LP "Études" y una pista colaborativa con James Ginzburg para la película experimental "Nimbes". Glotman también ha hecho trabajos bajo varios seudónimos, sobre todo como Ketev (Opal Tapes, Portals editions).
Deathprod
Con sede en Oslo, Noruega, el compositor Helge Sten sigue trabajando este estilo musical desde el inicio de los años 90, un minimalismo granular y profundamente atmosférico que retrasa el tiempo y explora las partículas más pequeñas del sonido. El concepto de Deathprod nació en 1991, cuando Sten da cuenta de que la compleja orden de la electrónica casera, samplers, sonidos procesados y efectos analógicos - acumulativamente referenciados como "Audio Virus" - podrían adquirir una dimensión musical superior (y más allá) a la mera técnica. Samplers casi obsoletos y dispositivos de reproducción distorsionan y transforman los sonidos en mutaciones irreconocibles. Los virus se propagarán en capas superpuestas y complejas de residuos sonoros, creando una especie de composición celular. Sten es un miembro fundador del grupo noruego de improvisación Supersilent y produjo discos de Motorpsycho, Susanna, Jenny Hval, Arve Henriksen, entre otros. En 1998, juntamente con Biosphere, transformó electrónicamente la música del compositor contemporáneo noruego Arne Nordheim. Recientemente ha compuesto para los legendarios instrumentos inventados por Harry Partch, por encargo del EnsembleMusikfabrik, Colonia.
Ahora la trilogía de álbumes de Deathprod va a ser lanzada, por primera vez, en vinilo y estará disponible para descargar el 5 de mayo en Smalltown Supersound. Prensados por Rashad Becker en Dubplates and Mastering en Berlín, forman el canon completo y oficial de Deathprod.
Fis
Venido de Nueva Zelanda, Fis produce música electrónica física, vibrante y exploratoria, fuertemente influenciada por los contextos donde se inserta y por su relación con el mundo natural. Después de aserrar los dientes en potentes sistemas de sonido en toda Nueve Zelanda, Oliver Peryman lanzó una serie de EPs de destaque por la Samurai Horo, Exit y Tri Angle en 2012/13, seguidos por actuaciones en vivo épicas en el escenario principal del festival Berlín Atonal en 2014 y 2015, y por el lanzamiento de un EP y de su álbum debut. el LP The Blue Quicksand is Going Now, por la editora londinense Loopy en mayo de 2015.
En 2016 lanzó su segundo álbum, From Patterns to Details, por el Subtext. Las siete pistas del álbum fluyen con una vitalidad aparentemente caótica, naturalmente evolutiva, utilizando una paleta no cuantificada de sonidos atomizados para modelar los procesos por los cuales la naturaleza aprovecha el mejor de sus entornos, y de su ciclo perenne de crecimiento y declive, de un modo comprensivo que va más allá de la comunicación verbal. Operando en una magnitud de reconocimiento de patrones micro-a-macro, Fis integra los espíritus de los paisajes escarpados con su fauna y flora, en una especie de transferencia arenosa y fluida de genes horizontales entre sistemas personales y externos... exponerse a su álbum es una experiencia que desafía los límites del lenguaje.
El poeta Rick Holland, que colaboró con Brian Eno y Jon Hopkins, se sintió tan conmovido por el trabajo de Fis que escribió un poema para cada una de las pistas.
Un estreno en Portugal promovido por Semibreve.
Gas
A mediados de los años 90, Wolfgang Voigt, más conocido por seudónimos como MIKE INK, STUDIO 1 o GRUNGERMAN, y por ser la fuerza impulsora detrás de la ascensión del techno minimal de Colonia, llegaba a un pico temporal en su carrera. Sin embargo, nunca dejó de perseguir y desarrollar su verdadera pasión por la música creativa. En los años 80, Voigt empezó a trabajar un concepto que él mismo ideó y denominó de BLEI. Utilizando los más variados modelos de sonido, extraía elementos de música clásica, polka o metales, y juntamente con música pop electrónica y Schlager (música popular germánica), creaba un estilo de música pop distinto y único que se encajaba en la subcultura de la época. A principios de los años 90, influenciado por el techno, Voigt empezó a hacer experiencias con un timbal marchando sobre loops de cuerdas flotantes, fuertemente alienados. Estas pistas elegiacas, su ausencia de inicio o de fin, simultáneamente inercia y eternidad, su estructura intoxicante, suave, y parcialmente amorfa sonaban como gas evaporando y así nasció GAS. GAS es la visión de un cuerpo sónico existente entre Schönberg y Kraftwerk, entre la trompa y el bombo. GAS es Wagner convertido en glam rock, es Hansel y Gretel en ácidos. GAS está aquí para conducirnos en una marcha aparentemente interminable por los bosques subterráneos - y por la discoteca - de una floresta imaginaria y nebulosa.
En su música, Wolfgang Voigt no crea una referencia directa a los sonidos originales ni al bosque. En vez de eso, tienta reducir el "material" a su estructura estética básica utilizando diferentes técnicas de zoom, loop y alienación, con el fin de liberarlo de su significado y contexto original. Su intención es crear una especie de esencia estética, una cueva (detalle/loop/repetición) donde nos podemos perder.
Y para todos aquellos que piensan que todo esto es demasiado difícil de digerir, entiéndanlo sólo como música admirable.
Karen Gwyer
Karen Gwyer nasció en el sur de los Estados Unidos e creció en norte del país. Ahora basada en Londres, sus actuaciones en vivo expansivas y predominantemente analógicas varían entre vibraciones hipnóticas, densamente melódicas, llenas de bajos techno y una psicodelia ácida diversionaria.
Con un puñado de grabaciones lanzadas hasta ahora por el Kaleidoscope, No Pain In Pop y Opal Tapes, ya hice dos giras y siegue apareciendo regularmente en los eventos de las editoras. Produjo remixes para el Nous, Software, Public Information, Domino, Kaleidoscope y Different Fountains Editions, y creó una serie de piezas comisionadas para el Open Music Archive.
Kyoka
Música y compositora, Kyoka trabaja entre Berlín y Tokio. Conocida por un enfoque musical caótico y directa y por un sonido crudo y pesado, su música resulta en un pop-beat quebrado, con ritmos experimentales pero posibles para danzar.
Creció en Japón, donde en la infancia tuve clases de piano, flauta y samisén. Mientras escuchaba y grababa programas de radio en cintas, empezó a sentirse atraída por las posibilidades de las arañar hacia atrás y hacia adelante y, rápidamente, pasó a utilizar la grabadora como un juguete, cortando, editando y produciendo los primeros sonidos más groseros.
En 1999 se interesó por el potencial de los sintetizadores/ordenadores y durante su estancia en Los Ángeles entre 2004 y 2008, sus músicas empezaran a transmitir en los radios locales.
En 2008 el primer mini álbum »ufunfunfufu« fue lanzado por la editora berlinesa onpa)))), seguido por »2ufunfunfufu« en 2009 y »3ufunfunfufu«, con lanzamiento exclusivamente en formato digital.
En 2012 hemos visto el lanzamiento del primer EP en 12'' «iSH» por la raster-noton, seguido por «is (is superpowered)», su primer álbum de larga duración, en mayo de 2014.
Esta citación de Ryuichi Sakamoto tal vez pueda resumir el talento excepcional de Kyoka: "¡Pánico! Parece una caja de juguetes vuelta del revés, ¿cómo puede ella hacer sonidos tan hermosos y tan caóticos? ¡Me encanta!"
Lawrence English
Lawrence English es un compositor, artista y curador ubicado en Australia. Basado en múltiples investigaciones estéticas, su trabajo explora la política de la percepción y suscita cuestiones sobre el campo, la percepción y la memoria. English utiliza diferentes enfoques, incluyendo actuaciones en vivo viscerales e instalación, de modo a crear obras que cuestionen los participantes acerca de su relación con el espacio y representación.
En la última década, las investigaciones sónicas de English han cruzado un camino divergente donde lenguajes musicales y entornos son valorados en la misma medida. Su trabajo cuestiona las relaciones establecidas entre el sonido, la armonía, la distorsión y la estructura y es tallado en una complejidad abrumadora que choca con ondas feroces de baja vibración. La música es evocadora e invita el oyente a explorar sus propias narrativas e impresiones, moldeadas por sus historias subjetivas y experiencias. Sus álbumes más recientes Cruel Optismism y Wilderness Of Mirrors son un festín de "densidades y dinámica extrema" y son desarrollados en una "estética de substitución de la distorsión armónica". Es la otra mitad de HEXA con Jamie Stewart, que colaboró recientemente con David Lynch en el proyecto Factory Photographs, y colabora regularmente con John Chantler (Holy Family), Liz Harris (Slow Walkers), Stephen Vitiello, Werner Dafeldecker, entre otros.
Como productor, English ha desarrollado proyectos con diferentes artistas como Blank Realm (Illegals In Heaven), Tujiko Noriko (U, Blurred In My Mirror) y Tenniscoats (Totemo Aimasho, Temporacha). Su trabajo en posproducción incluye álbumes de Ben Frost (Aurora, By The Throat, Theory Of Machines), Thor And Friends (In C), Norman Westberg (13, MRI), Tim Hecker (editor de secuencia, Virgins) y David Toop (editor de secuencia, Lost Shadows). Fue comisionado por el consagrado colectivo de actuaciones Circa, y participó en producciones teatrales para las compañías teatrales The Barbican y the Queens Theatre Company. En 2015 y 2016 ha compuesto trillas sonoras para el cine que incluyen la película griega premiada Limbo y el thriller gótico sur-australiano Down River.
Rabih Beaini
Rabih Beaini, también conocido por Morphosis, es una voz solitaria en la música electrónica. Pocas personas componen espectáculos tan desafiantes e intrigantes como él, donde el dark wave, krautrock, post-todo y el techno se juntan en una armonía de hardware embrujado. Su editora, Morphine, es igualmente sonoramente impredecible, así como sus remixes o sus EPs fabulosos como por ejemplo la inmediatamente intemporal y destacada obra What We Have Larned. Extrañas e imperdibles, las producciones del artista libanés suenan tan vivas y en vivo como cualquier cosa que se haga en un club, haciéndolo verdaderamente incomparable.
Sabre
Dúo de Bruno Silva y Carlos Nascimento en rotación sideral por la house y por el techno conducido por la visión psych del kösmiche y de algún free jazz más espiritual. Especie de compendio soñador y expansivo del romance, de los deseos y de la vivencia en alarma narcótico de la urbe con la playa e sus memorias en el fondo, han editado irregularmente por sellos como la WT, Tasteful Nudes o Royal Oak.
Steve Hauschildt
Steve Hauschildt es un músico y artista americano de Cleveland, Ohio. Fue miembro de la banda seminal Esmeraldas desde 2006 hasta 2013. Un veterano en la comunidad de música experimental, sus composiciones utilizan sintetizadores, ordenadores y procesamiento digital para simultáneamente honrar y subvertir las normas establecidas de la música electrónica. Además de una actividad prolífica con los Emeralds, lanzó cuatro álbumes por la Kranky, una antología de su trabajo por la Editions Mego e hice la curaduría de una compilación para a Air Texture. "Strands", su último trabajo, recibió elogios enormes en el momento de su lanzamiento en 2016.
Valgeir Sigurdsson
Valgeir Sigurdsson es un compositor y productor islandés. Por más que podría ser descrito como un postminimalista especulativo con una sensibilidad postpunk desafiante y una fascinación por el error e improvisación, convencionalmente un músico acústico-clásico, con un profundo conocimiento del increíble potencial de la electrónica y de un amor declarado por la belleza y la inteligencia del pop extraño, Valgeir Sigurdsson es un inspirado e industrioso autor de música del norte grandiosa, de un soul inquietante, una música folk visceral y diabólica.
Como editor y curador de la Bedroom Community, editora que fue fundada en 2006, su trabajo con Nico Muhly, Ben Frost, Paul Corley, Sam Amidon y Daníel Bjarnason, revela una apreciación en constante evolución de la diversidad de la música del mundo. Los tres trabajos en solitario, Ekvílibríum (2007), Draumalandiö (2010) y Architecture of Loss (2013), serán seguidos en 2017 por el intensamente reflexivo Dissonance.
Con un sentido diligente de donde buscar y saber para donde se mueve la música moderna de género licuado, sus colaboraciones incluyen Björk, Bonnie "Prince" Billy, Feist, Damon Albarn, CocoRosie, Sigur Rós, Jóhann Jóhannsson, Brian Eno, Tim Hecker, Anohni, Oneohtrix Point Never y Alarm Will Sound. Estas múltiples relaciones personales y profesionales prolíferas contribuyeron para el desarrollo de una manera privada y moderna de producir música, que elegantemente acumula siglos de paciente técnica y refinamiento, con décadas de experimentación electrónica innovadora y de progreso post-pop.
Como aficionado del trabajo en entornos electrónicos y de estudio, y creando evocativas trillas sonoras para el cine o composiciones para orquesta, su trabajo para el teatro, danza e instalaciones relevan que Sigurdsson piensa como un pintor y escultor en la misma proporción con que es músico y artista sonoro.
Visible Cloaks
Spencer Doran y Ryan Carlile, pareja de Portland, Oregón, forman la entidad musical de fuente abierta Visible Cloaks, cuyo álbum debut "Reassemblage" fue lanzado a través del RVNG en febrero de 2017.
En el "Reassemblage", Doran y Carlile incorporan una serie internacional de instrumentos virtuales para crear una idea de pan-globalismo por simulación digital, con tonos y colores que, juntos, forman un organismo vivo de experiencia sensorial. Con el "Fourth World" inspirado en el entorno y en el pop japonés de los años 80 (también explorado por Spencer en "Fairlights, Mallets, and Bamboo") una piedra de toque fundamental para dar un nuevo impulso a sus influencias musicales mundanas, Visible Cloaks filtran y forman material para hacerlo relevante otra vez.
Muchas veces, la pareja saca los elementos tonales de su especificidad o aleatoriza sus melodías de manera a hacerlas más estimulantes y lúcidas. Surgen patrones esenciales, aumenta la experiencia consciente. En estos momentos, el lenguaje musical de "Reassemblage" encuentra resonancia ilimitada y presenta un camino para realidades deshabitadas.
En vivo, todo esto se convierte en un acogedor y envolvente festín multisensorial, con la estética visual perfecta de la artista digital Brenna Murphy (también autora del diseño y de los videos de Reassemblage), extendiendo la exploración del espacio global presente en el álbum para una realidad virtual y visceral.
Instalaciones
Laurie Spiegel
La música de la compositora Laurie Spiegel tiene su origen en un aprendizaje clásico del laúd preclásico y del banjo, pero Laurie es también una programadora, diseñadora de software, cineasta y una académica frecuentemente publicada. Es reconocida internacionalmente por su trabajo pionero con sistemas de música electrónicos y de ordenador. Se centra principalmente en software interactivo que utiliza la lógica algorítmica como un suplemento a las capacidades humanas, y en la estética de la estructura musical y en el proceso cognitivo. Sus obras más conocidas incluyen música hecha en los años 70 con el Sistema Híbrido GROOVE en el Bell Labs, sus trabajos iniciales en la transmisión online de música digital, la realización de la Armonía del Mundo, de Kepler, incluida en el disco dorado de la nave Voyager, y Music Mouse - un instrumento musical inteligente desarrollado por los ordenadores Mac, Amiga y Atari. A pesar de ser asociada muchas veces con los Minimalistas debido a las particularidades rítmicas, modales y de dron presentes en su EP The Expanding Universe, su música reciente es considerablemente más oscura y compleja, tal como es visible en sus últimos CD Unseen Worlds y Obsolete Systems. Vive y trabaja en Lower Manhattan desde los años 70 y ensenó en la Cooper Union y en la Universidad de Nueva York (NYU), donde fundó su estudio de música de ordenador en 1981.
En el Semibreve, Laurie Spiegel va a presentar una instalación de su nueva composición para la pieza de video Maya Deren: Prelude to Generating a Dream Palette de Peter Schmideg.
Peter Schmideg (1953-2014) fue un actor, dramaturgo, guionista, realizador y locutor y productor de radio.
Descubre al detalle el Festival Semibreve
